Entrevista por Víctor Higareda

Víctor Higareda
El Sol de Mazatlán
10 de junio, 2008
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Luis Felipe Ortega, artista visual originario del Ciudad de México (1966) donde vive y trabaja. Es egresado de la facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Desde 1993 ha expuesto individual y colectivamente tanto en nuestro país como en el extranjero. Su obra se conoce en galerías de Bélgica, Estados Unidos, Colombia, Italia, Francia, Corea, Albania y México. Actualmente es profesor de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, del INBA. De sus últimas exposiciones individuales destacan Before the horizon. M.A.A.C. Maison d"Art Actuel des Chartreux, Bruselas (2006); Ocupación. Sala de Arte Público Siqueiros, México, (2004); Something happens, nothing. International Studio and Curatorial Program, New York (2002). Entre sus exposiciones colectivas se encuentran The anthology of art. Museumsmeile Bonn (2006); After the Act: on the (re)presentation of performance art. Museum of Modern Art Stiftung Ludwig, MUMOK, Viena (2005). Actualmente es becario del Sistema Nacional de Creadores (Fonca); fue becario tanto del Programa de Jóvenes Creadores (Fonca) en 1998, como del International Studio and Curatorial Program de Nueva York en 2002. En el 2001, el Museo Georges Pompidou adquirió para su colección el primer video mexicano "Remake", realizado en 1994 por Luis Felipe Ortega, en colaboración con Daniel Guzmán. El maestro Ortega estuvo como artista residente en el Museo de Arte de Mazatlán por espacio de dos semanas, periodo en el cual dictó un curso-taller para artistas plásticos y visuales locales; gracias al apoyo de Conaculta y Difocur, con base en el programa Creadores en los estados. La convocatoria fue aceptada por varios artistas mazatlecos. La presente es una entrevista al maestro, que devela cuestionamientos básicos en torno a él y a su obra, de la misma manera, el rumbo de los soportes actuales y una concepción propia futura en el arte visual.

LAS INFLUENCIAS
“Creo que  las principales vienen de la literatura y la filosofía. Ahí es donde se forma el verdadero campo de preguntas y de intereses que han servido como plataforma para empezar a hacer ya indagaciones formales en el lugar, sean plásticas o visuales. Por otro lado creo que muy pronto me sentí muy ligado a una serie de artistas, sobre todo norteamericanos y europeos de la generación de los años sesentas y setentas, que también tenían este vínculo con la literatura y con la filosofía. Bruce Nauman fue uno de los artistas que fue muy importante para mí, al ver y revisar su trabajo. Marcel Broodthaers, fue otro de los que me sorprendió muchísimo; el mismo Vito Acconci. Me interesaba mucho su manera de comportarse visualmente y por otro lado su manera de comportarse artísticamente, al preguntarse sobre la tarea de ser artista o de la condición del artista”.
Ellos son artistas viejos…
Bueno si, Nauman debe tener ahora unos 70 años, sigue produciendo.

¿La vanguardia tiene viejos maestros?
"Ahí lo viejo habría que matizarlo, porque me parecen bastante jóvenes, sobre todo por el hecho de que Nauman y Acconci siguen vivos y produciendo. Me parece que tienen un espíritu de aventura que no se ha interrumpido nunca, siempre están desplazándose, siempre buscando siempre van de un soporte a otro, o de una preocupación a otra. De tal modo que nunca se estabilizaron en un modo, soporte, en un estilo, en una sola manera de ser artista o en una sola forma de comportarse visualmente. Luego el hecho de que Acconci, viniera de la literatura, pasara por la acción o el performance, siguiera con la escultura y que ahora esté en el campo de la arquitectura, pues me parece un espíritu bastante joven en ese sentido; aunque su trabajo actual está capitalizando esa larga experiencia. Más que nada yo lo vería como un artista sabio desde su propia experiencia". Por supuesto indica a Broodthaers, a Marcel Duchamp.

LA GALERIA, EL MUSEO
Alguna vez Duchamp dijo que un objeto es sensible de convertirse en una obra de arte si ésta se coloca en un museo o en una galería y el artista lo afirma como tal...
"Lo que dijo en su momento es algo muy válido, básicamente los museos y las galerías eran el lugar de legitimación de la obra, es decir, para que él pudiera hacer este giro de lo que estaba pasando en la pintura y en la escultura de su época, en su momento temprano, tuvo que aprovechar esta plataforma, casi utilizar el museo y la galería como base de la obra y más tarde pasarla a un pedestal. Lo que estaba legitimando ese objeto en el contexto del entendimiento de la obra era el lugar. En los años sesentas era muy distinto porque ya los artistas no necesariamente tienen que apoyarse en el museo para legitimar cualquier objeto como obra de arte. Ellos empezaron a hacerlo desde fuera de esos recintos, y lo que legitimaba al objeto artístico, que fuera un objeto cotidiano cualquiera, era digamos que la autoridad que tenía el artista como artista mismo".

¿Y si era un artista joven, qué pasaba?
"Si era joven tenía que comenzar la aventura de abrir espacios y luchar porque estos fueran legitimados en algún momento. Generalmente eran artistas jóvenes que habían pasado por un tipo de experiencia en la galería o el museo. En el caso de Nauman, lo que valoró como un lugar de legitimación fue la escuela, al haber estudiado arte en una escuela, decía que ésta lo había legitimado como artista, por lo tanto podía tener un comportamiento artístico (...) llegó a la conclusión de que cualquier cosa que produjera en su taller era una obra".

¿Cuándo un "objeto" es una obra de arte?
"Son procesos complejos. En general las obras pasan por un tiempo de duda, en torno a si es arte o no, lleva un proceso de legitimación y lo que sucede es que los lenguajes teóricos y críticos son los que llegan después del proceso de la obra".

¿Quién legitima entonces?
"Es una red, tiene que haber un espacio crítico-teórico que reflexiona en relación y también el modo en que el artista se está comportando; hay que empezar a leerlo así".

En su caso ¿qué motiva la creación, cuál es el estímulo?
"Creo que son múltiples, son varios aspectos, absolutamente íntimos, es como un espacio de expresión y ese pedazo de expresión pasa por muchos modos de expresarse. Y luego pienso que hay otros aspectos que podrían entenderse mucho más intelectualmente, es decir, porque tengo tales tipos de preocupaciones, de ideas, empiezo a buscar modos y en como los puedo representar o decir".

¿Puede ser cualquier cosa, o tiene que ver más con la concepción como artista o es a nivel filosófico?
"Creo que es particular, por eso acentúo esto del comportamiento artístico, como el comportamiento del artista visual, porque es muy específico en relación al que puede tener un poeta, por ejemplo. Son distintas plataformas de expresión, distintos lenguajes, y todos caen desde un aspecto básico que es el creativo, en el que la necesidad se funde con la creatividad y provoca una acción determinada: una acción plástica, una acción literaria o cinematográfica".

Sus principales soportes.
Tengo tres principales. Son básicamente en función de tres lenguajes: La fotografía, el video y el objeto. No sé si se podrían entender las ideas como parte de este soporte, esa parte donde uno tiene una primera intención y que se tiene que buscar el lugar donde ha de ser emplazada y expresada.

Como artista ¿hasta dónde llega su posibilidad de expresar?
El límite es hacia el interior de la obra, cada obra se vive como una experiencia, como una aventura nueva en que hay que volver a tocar o por lo menos intentar acercarse a ciertos límites. En ese sentido creo que nunca se cumple, por lo tanto, siempre seguimos en la necesidad de ir otra vez por otra pieza. Esa necesidad a veces trae elementos que 
pueden estar cargados estéticamente, porque hay un comportamiento específico cuando trabajas en algún lugar, te relacionas con cierto tipo de gente, además hay un límite que tiene que ver con la materia misma, el material, el objeto te va a imponer ciertos límites. Otra cosa importante es el compromiso, en principio es muy individual, para que eso se expanda hacia afuera en términos de sociedad, de colectividad pero en principio eso es una apuesta individual definitivamente, porque si no, podemos caer en una espacie de engaño. Creo que el artista no es un sociólogo, no se comporta sociológicamente; sólo lo hace artísticamente y siempre dejará pequeñas ventanas que son dudas y que así llegarán al espectador.

Su obra se basa en la vulnerabilidad.
He tratado cada vez de poner más atención en ello porque me parece que la obra físicamente hablando, de pronto puede estar en un punto de riesgo, en el cual la obra se puede literalmente caer. Cuando trabajo en una pieza que está flotando, tensada (Ocupación) funciona más metafóricamente en el hecho de mantener un enunciado visual, siempre es muy difícil mantenerlo y está la posibilidad de que se caiga; hay que trabajar mucho para mantenerlo estable, por lo menos temporalmente si esta es una pieza "in situ" o si es escultórica, y que esa estabilidad deje ver ese cierto riesgo.
En cuestión de videos, me ha interesado explorarlo a través del silencio, como posibilidad de que eso que se narra se pueda quebrar y que se quiebre en relación a la lectura lineal de la narrativa.

Como creador ¿existe el sentimiento de vulnerabilidad?
Eso tiene que ver con la vulnerabilidad que tenemos presente y que yo vivo casi a cada momento, en cualquier instante puede venir el quiebre, desde mi persona, desde mis afectos.

Los soportes actuales tienen un tiempo de vida, el CD unos 30 años, el DVD 10,  el disco duro unos 20, el papel fotográfico de 80 a 100 años ¿qué pasará con este tipo de formas de conservación de información de obras, desaparecerán, habrá un nuevo formato de conservación? 
Yo creo que esa es una cosa bastante irónica, me provoca mucha risa; hemos ido en una especie de búsqueda hacia el trabajo "in situ", por ejemplo en lo inmediato de la construcción de una obra en ciertos procesos y a la vez siempre estarán en la red. Siempre existirán ciertos mecanismos que van a querer conservarla, ya sea en la bóveda de un museo, en un disco duro, ya sea en un papel fotográfico, y al final creo que las obras tienden a desaparecer, sea esta una obra literaria o fotográfica. 
Dentro de 300 años de todo lo que estamos produciendo ahora, sólo permanecerá el uno por ciento, entonces sí es un poco irónico el luchar para alargar la existencia de una obra de arte, pero al final ese trabajo desaparecerá. Lo que sí podría continuar como una repercusión real son las ideas, todo lo demás se irá, éstas pueden ser recogidas por otras personas, pueden ser manipuladas, se pueden llevar más lejos; pero sí, sólo permanecerán las ideas.